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《三塊廣告牌》講述了一位母親的女兒慘遭殺害，在正義不得伸張之時，她決定樹起廣告牌和警察對峙，為女兒被強姦和謀殺討回公道。
該片獲得奧斯卡最佳影片在內的7項提名，院線也在公映之中，之前我們介紹過《三塊廣告牌》的製作過程，今天主要是該片如何拍攝。 攝影師本·戴維斯（《銀河護衛隊》和《復仇者聯盟：奧創紀元》的DP），他認為，“電影攝影師沒必要是個愛炫耀的人，我希望觀眾能沉迷在對白和 演員的表演之中。”他詳解介紹瞭如何拍攝《三塊廣告牌》，請看下文。
《三塊廣告牌》您在視覺語言上的策略是什麼？ 拍對白很多的場景是種挑戰嗎？
電影必須顯得非常自然，我要打造一種真實感，所以攝影不能喧賓奪主，否則整個電影看起來很誇張。 劇組許多人都參與了《七個神經病》的製作，然後潘納維申公司提供了兩台ALEXA XT攝影機以及E和C系列變形鏡頭，這些鏡頭能柔化數字感。 我們也準備了一輛車，車上有發電機和許多LED燈和4*4 Cine Panel來打造月光，選擇的是2.35:1的高寬比。 對我而言，電影攝影師主要的人物就是要如實的傳達劇本。 有時候台詞很棒時，會忍不住誘惑，想要拍攝演員特寫，但我要盡量的克制這點。 電影裡面我們使用手持攝影不多，當然我可以選擇手持攝影，但導演想用更傳統的電影製作方式，他的基準點是20世紀70年代的電影製作。
拍對白戲時，如果用直切的方式很容易讓觀眾注意剪輯點。 然後導演也認為演員對對白的反應，和對白本身一樣重要。 尤其是對弗蘭西斯這個角色的反應很重要，因為很多情況下，觀眾都是通過她的反應來了解當下的情況，這樣就不用一直用對切的方式拍對話了。 所以，這樣也多出來很多素材，一般拍攝現場我會用兩台攝影機。 當用兩台攝影機時，在燈光方面就得做出妥協，因為無法設計出滿足兩台攝影機的燈光，總需要其中一台做出妥協。 其實重要的是，這部片在視覺上無需太完美，重點是傳達表演。 “我不喜歡這樣的畫面，我不想這樣拍。”作為一名攝影指導，是不可以有這樣的想法的。
你和演員的關係如何？ 如何為他們不同風格的表演做安排？
我不會試圖和演員建立私人關係，但會花很多時間在畫面構圖上，來使拍攝效果更好。 這就像攝影機和演員之間的舞蹈，如果演員非常棒的話，就必定會產生共生關係。 這樣的關係也需要時間磨合，需要給彼此時間進行了解。 我見到弗蘭西斯時，她給我說了很多對於這個演員表演的說法。 開機後我第一天見到她，就覺得：我草，就是這個感覺。 所以，我們立馬就建立起了一種聯繫。
弗蘭西斯是整部電影的驅動，大家經常會說故事裡面人物必鬚髮生改變，必須有人物弧線，但弗蘭西斯並沒有，她選了自己要走的路，並且堅持走到底。 她是個內心充滿悲傷和憤怒的女性，是個了不起的人物。 她是個堅強的女性角色，非常鼓舞人心，我每看一次這部電影都會被她所感動。 隨著故事的發展，這個角色變得非常有意義。 片中有句台詞我很喜歡。 她被指控在牙醫拇指上鑽了個洞後，她在警局裡對警察局長威洛比（伍迪·哈里森）說，“我猜他給我說的不一樣，就像你聽到的 那些強奸案，除了這次女性沒有輸。”電影中許多鏡頭都離米爾德蘭德本人很近，我想要觀眾能夠更近距離地觀察她。
弗蘭西斯很專業，你能將攝影機放在只離她臉15裡面遠的地方，大演員都很難接受這個距離的，但對她來說一點影響都沒有。
反而發生改變的是山姆飾演的角色，然後我們一向傾向於電影角色必須有界定清晰的好人和壞人，但導演認為’人不是那樣的，人本身有好的一面，也有壞的一面，事情本就 如此，這就是人性的複雜。 他們不斷地在改變，你對他們的看法也是不斷改變的。 ’雖然導演說的話看上去很複雜和詩意，但他筆下的角色卻很真實。
電影是哪裡拍的？
《三塊廣告牌》參考的影片包括《威尼斯疑魂》，《德州巴黎》和《Americana》。 對視覺畫面最大的影響是尋找合適的主要外景地，導演花了一年多才找到卡羅萊納州北部的Sylva，他希望一切從地理上都能相符劇情。 這片都是在外景地拍攝，除了警察局的場景，幾乎沒搭景。 我和導演在外景地花了許多時間做準備工作，一般來說，做前期準備工作的時候，很容易變成蹲在辦公司裡做紙面工作或者沒完沒了的開會，但我敢說， 這部片導演和我大多都是在外景地討論如何拍攝的。
主場景攝影時間是從2016年5月至6月。 我們做了大約5週前期籌備工作和然後花了7週時間拍攝。 導演畫出了大致的故事板，在我們開始準備這個項目之前就給我看過了。 雖然畫得不是很好，但是這個故事板已經在功能上很好了，在拍攝的時候，我們沒有死心眼的按照故事版拍，但這個故事版做到了讓我們自己知道自己在幹啥。
你拍了不少文藝片，也拍了很多漫威大片，這兩種製作上你有什麼感覺？
每部電影都不同，所以拍攝方法也不同。 當然，所面臨的挑戰自然也不同，但最終目標都是一樣的，就是講故事，而不是拍攝精美的圖像。 如果拍攝精美的圖像是影片所要求的，自然好，但更多的時候應該著重於故事敘述。 有的影片預算是100萬美元或更多，那麼所追求的自然更高；如果製作的是獨立製作，預算只有15萬美元，那麼追求自然也會降下來。
獨立電影製作的麻煩在於時間，而大片則是你如何將它製作得精彩。 就像拍攝《三個廣告牌》，對我來說，外景地拍攝重點在於計劃。 如果你計劃得好，那麼一切就會很順利。 籌備階段，我會盡可能多的花時間在外景地上。 我會坐在那兒判斷什麼時候是拍攝某場景的最佳時機。 有些場景我想在黃昏拍攝，這對導演來說就有點棘手，如果演員狀態不好，那就掛了。 所以有個關於弗蘭西斯的主要情感表達的場景，我和第一導演助理制定了計劃，我們在日程安排中留出空間，如果真的需要的話，我們就可以改天再返回來拍攝，但 弗蘭西斯很聰明，那場戲只用了40分鐘就搞定了。
還有，兩種類型的差別在於能否拿到你想要的設備。 比如，拍《復仇者聯盟：奧創紀元》時，我們在辦公大樓的院子裡拍攝，其中一邊是樓梯，上方是一扇大窗戶，而我想要一盞18K燈從窗戶照進來。 但是，那裡很高，大概離地面30或40英尺，沒有通道可以上到那裡，所以沒辦法在那里安燈。 你知道我們怎麼做的嗎？ 我們用大吊車挑起了一個 綁了燈的支架，把燈伸到院子裡去，再繼續拍。 然後，當我們拍攝時，如果我不喜歡這個效果了，可以隨時關掉了，這就是預算差別的區別。
還有就是，因為劇組很大。 作為DP就要管理一群人，這個很難。 我認為會不好之處是有時你會忽略創意，腦子裡想的都是後勤安排，拍片，準備佈景。 你就會忘記創意，這是拍大片會面臨的問題。
能談談你是如何處理視覺預覽片段的嗎？
視覺預覽比較棘手，我對它是又愛又恨。 現在經常面臨的情況是：視覺預覽是由不參與製作環節的部門製作的，所以他們可能不清楚在幹什麼。 他們只要用電腦組合鏡頭，這沒毛病，畢竟人家就是做視覺預覽。
但，有時候在現場就成了標準，在拍攝現場的時候就有人說，“不能這麼拍，因為視覺預覽不是這樣做的。”你要知道，這些人可不是導演，他們甚至從沒有到過 電影拍攝現場，從未參與製作過一部電影，他就突然冒出來要指示你接下來應該拍哪個鏡頭。 如果你把視覺預覽當故事板來用，很OK啊。 看著它說，我喜歡這個鏡頭，來，我們試試，但是有些鏡頭就很沒必要那麼拍，一點意義都沒有，就是純粹的在賣弄，沒必要拍啊。
但是，當他們開始指示你接下來該拍什麼鏡頭的時——這個事經常會發生，CG部門會告訴你，他們已經開始準備製作那個鏡頭了，或者他們已經設計好了，打住，這是主 次顛倒了好嗎！ 電影製作不是這樣，這樣來做，還不如拍個動畫片呢。
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